Traje de dança

Traje de dança medieval

A relação entre dança e trajes de dança é complexa e não reflete apenas a prática da dança em um determinado período, mas também o comportamento social e os valores culturais. Os trajes de dança podem ser divididos nas seguintes categorias: trajes históricos, folclóricos ou tradicionais, de salão, modernos e musicais. A influência se espalhou da moda para a dança e vice-versa.

Trajes de dança histórica

Do século XV ao século XVIII, as festividades nas cortes europeias exigiam trajes de dança altamente elaborados. O estilo dos trajes para danças de corte tendia a ser semelhante ao traje cotidiano da época, incorporando, por exemplo, espartilhos rendados, mangas bufantes e cortadas, farthingales com saias e decoração aplicada. No início do século XXI, a reprodução de trajes de dança históricos era evidente nas atividades de organizações de dança histórica, como o Instituto de Prática de Dança Histórica (IHDP) em Ghent, na Bélgica.

• Trajes de sapateado
• Trajes de dança mexicana
• Roupas de dança contemporânea

Trajes de dança folclórica

Traje de dança folclórica bávara

A partir do século XV, a dança folclórica desenvolveu-se continuamente na Europa. O campo dos trajes de danças folclóricas europeias é muito complexo, pois cada região do país tem suas danças, trajes e costumes próprios. As danças folclóricas da Europa Oriental, como czardas, mazurkas e polkas, logo se espalharam pela Inglaterra e França. Trajes de dança folclórica refletiam o visual do Leste Europeu no uso de cores brilhantes em fundos escuros. Os trajes costumavam ser altamente decorados com miçangas, metal e fios de seda. O vestido feminino básico era uma camisa curta de cor clara e uma anágua, sobre a qual várias camadas de tecido eram usadas. Um cocar drapeado indicava o estado civil de quem o usava (um toucado chique indicava que a menina era solteira). A dança folclórica européia formou a base para as atividades de quadrilha. Os colonizadores europeus que vieram para a América introduziram este tipo especial de dança country e seus trajes primeiro na Nova Inglaterra, mas logo a quadrilha começou a se espalhar por todo o país. O vestido de noite era o traje padrão para dançarinos: saias com arco na altura do tornozelo para as mulheres e jaquetas formais para os homens. Durante os dois séculos seguintes, a mistura cultural de colonos europeus na América levou a uma variedade de trajes de danças folclóricas nacionais. As roupas de dança de fazendeiros e cowboys baseavam-se principalmente em componentes das roupas do dia a dia: camisas, calças de algodão e botas de cowboy para os homens e vestidos de algodão de algodão até o tornozelo para as mulheres. O minueto, a polca, a valsa e a quadrilha via França e Inglaterra trouxeram trajes de dança mais elaborados para a América: camisas e calças de mangas compridas sob medida para dançarinos masculinos e saias e blusas bordadas com flores para as mulheres. Acessórios como cintos ocidentais, gravatas ou lenços de seda completavam o traje de quadrilha.

No final da década de 1990, estilistas sofisticados como Dolce & Gabbana, Roberto Cavalli e Miu Miu criaram um 'visual cowboy urbano' com vestidos de inspiração ocidental embelezados com padrões florais em peças de roupa como smokings e jeans, como bem como as tradicionais botas de cowboy pontiagudas.

No início dos anos 2000, dançarinas quadradas amadoras e profissionais costumavam usar saias duplas com babados alternados no tecido e renda branca larga. A renda é usada no corpete e nas mangas, e um aplique e um laço são costurados na cintura justa. Os dançarinos quadrados usam camisas estilo cowboy com lenço amarrado na gola, jeans de bolso alto e, às vezes, um chapéu de cowboy. Os punhos das calças são geralmente usados ​​dentro das botas de cowboy. Livreto United Square Dancers of America (USDA), Traje de dança quadrada , é provavelmente o melhor recurso para a história dos trajes de quadrilha.

Trajes de dança do ventre

Dançarinas do ventre

A dança oriental, ou dança do ventre, origina-se de movimentos em forma de cobra fornecidos pelas irmãs de uma mulher que está dando à luz, enquanto elas tentam inspirá-la a dar à luz. Em 1893, a dança do ventre foi trazida do mundo árabe para os Estados Unidos por ocasião da Feira Mundial de Chicago. Tecidos de cores exóticas bordados com pedras semipreciosas, paillettes e miçangas são característicos do estilo. Tops semitransparentes com franjas revelam o estômago e umbigo, enquanto sutiãs e saias envolventes balançam ritmicamente ao ritmo da música do Oriente Médio. Cintos de moedas e lenços de quadril são uma parte essencial da roupa de dança do ventre. Às vezes, as dançarinas do ventre cobrem o rosto com um véu, especialmente quando a dança é executada por um dançarino (travesti). Como alternativa, são usadas túnicas com cercadura e lantejoulas que vão do ombro ao chão sobre pantalonas harém. Historicamente, as evidências apontam para a influência crucial do Orientalismo islâmico na moda europeia durante o século XX, começando com o uso do estilista francês Paul Poiret da forma da túnica e atualizando os estilos antiquados com calças de harém exóticas e véus enrolados no corpo na década de 1920 . Na década de 1990, as coleções de prêt-à-porter e de alta costura de designers da Europa Ocidental e americanos, como Miguel Adrover, Jean Paul Gaultier, John Galliano, Alexander McQueen e Rifat Ozbek, foram influenciadas pelos trajes orientais da dança do ventre. Nancy Lindis Farne-Tapper's

Línguas do vestuário no Oriente Médio é uma fonte detalhada sobre as roupas do Oriente Médio, tanto no mundo antigo quanto no moderno.

Trajes de dança de salão

Dançarinos de salão

Desde o início do século XIX, as danças de salão eram frequentadas por um amplo público, e vestidos de noite especiais eram projetados para se adequar a essas ocasiões. A valsa, o fox-trot, a polca, a mazurca e a valsa vienense exigiam um estilo elegante. Já no século XX, os trajes de dança para o tango, swing e latim, charleston, rumba, bolero, chacha, mambo e samba eram mais eróticos.

Trajes de dança moderna

No início do século XX, os movimentos naturais de Isadora Duncan no palco marcaram uma nova era para a dança. O estilo de dança moderna de Duncan foi influenciado pela arte grega, danças folclóricas, danças sociais e atletismo. Trajes soltos e cabelos soltos permitiam uma grande liberdade de movimentos de dança. Após a Primeira Guerra Mundial, grupos de dança moderna surgiram com dançarinas predominantemente femininas. Durante as décadas seguintes, coreógrafos de vanguarda, como George Balanchine e Martha Graham, e mais tarde Merce Cunningham, Paul Taylor, Alvin Ailey e Pina Bausch, reformaram e liberalizaram a dança tradicional e seus trajes. Afastando-se das técnicas tradicionais do balé, a dança moderna deu início a uma nova era do figurino. Os figurinos e a maquiagem assumiram um aspecto unissex, já que os coreógrafos consideraram menos relevante diferenciar os dançarinos do sexo feminino. Os designers de teatro experimentaram trajes seminus: camisetas transparentes e calções pretos curtos para os homens e corpetes simples e meia-calça para as mulheres eram os trajes padrão.

Em 1934, o coreógrafo de dança neoclássica George Balanchine foi o primeiro a vestir bailarinos com roupas de ensaio para apresentações públicas. O uso de não cores caracterizou os trajes de Balanchine, que quase sempre eram em preto e branco. Seu senso de minimalismo no palco se desenvolveu através da revelação da nudez.

Vestido de salão profissional e amador

Dançarinos de tango

Vestido Tango:

Normalmente uma peça com uma parte superior justa e uma fenda inferior oscilante alta para revelar a perna. São utilizados materiais elásticos para garantir uma silhueta justa. O vestido de dança é frequentemente decorado com strass, contas, glitter e paillettes.

Swing and Latin Dress:

Muito parecido com os vestidos de tango, mas a bainha bem mais curta torna o vestido mais sexual e pode revelar a perna inteira. Estampas de animais como tigre ou leopardo intensificam a conotação selvagem desses vestidos.

Vestido Waltz and Fox-Trot:

Vestido elegante de uma peça, geralmente feito em sedas leves e caras ou cetins. Um estilo de amplo balanço e comprimento do tornozelo intensifica os movimentos suaves dessas danças.

Vestido Charleston:

A liberdade de movimento necessária foi garantida por vestidos-camisa na altura dos joelhos bordados com contas de vidro e paillettes. O vestido leve e as franjas compridas faziam com que ela balançasse ritmicamente de acordo com os movimentos da dança, que fazia parte do estilo de vida dos loucos anos 20 e se tornou a dança americana mais popular na Alemanha e na Europa; obrigado em grande parte a Josephine Baker, que fez apresentações em 1927 com sua Charleston Jazz Band em Berlim.

Vestido Polka e Mazurka:

Vestido tradicional folclórico com desenho estampado colorido e geralmente uma blusa camponesa e uma saia envolvente embelezada com babados opulentos e guirlandas. Durante a década de 1970, as blusas camponesas tornaram-se muito na moda nas roupas do dia a dia, e estilistas sofisticados como Emilio Pucci criaram roupas de estilo étnico com bordados e folhos. As blusas camponesas florais com bainhas suaves com babados tiveram um renascimento no final dos anos 1990, quando grifes de estilistas como Yves Saint Laurent, Dolce & Gabbana, Moschino e Christian Dior criaram um tema de moda folclórica.

Vestido Rumba e Samba:

Com babados contrastantes na saia e nas mangas, este vestido é geralmente desenhado em um estilo caribenho com cores brilhantes.

Vestido Cha-Cha:

Vestido de duas peças com top justo e decote largo fora dos ombros, enquanto a saia é cheia e folgada na parte inferior. Strass geralmente são fixados ao tecido para dar um efeito glamoroso.

Martha Graham foi uma das primeiras a promover a dança sem sapatilhas de ponta no palco. Dentro Diversion of Angels (1948), ela vestiu dançarinas com cortinas, e os homens estavam quase nus. As coroas especiais inspiradas em Isamu Noguchi e os alfinetes de chapéu de Graham tornaram-se particularmente famosos como parte do traje de dança moderna. Recém em cortes desabafados, as saias e vestidos de dança parecem calças, permitindo uma grande liberdade de movimentos. No início, as danças de Graham eram executadas em um palco vazio, o que destacava o minimalismo que ela demonstrava nos figurinos. Mais tarde, ela também substituiu as tradicionais túnicas de balé de dançarinos masculinos e as roupas folclóricas e tutus de dançarinas por camisas retas, muitas vezes escuras e longas, ou collant de ensaio. Recebendo a Medalha da Liberdade em outubro de 1976, Martha Graham foi a primeira dançarina a receber essa distinção.

Na década de 1950, os trajes de coreógrafos de dança contemporânea orientados por Balanchine e Graham, como Merce Cunningham e Paul Taylor, tendiam a dar ênfase ao estilo seminude, embora as estampas em collant personalizassem o estilo individual de dança contemporânea e seus trajes. Em 1958, o artista Robert Rauschen-berg criou collants de seda brilhantes salpicados de pontos de arco-íris para Cunningham's Summerspace. Os desenhos do coreógrafo e figurinista Alwin Nikolais influenciaram o palco contemporâneo com performances como Noumenon Mobile (1953) e Imagem (1963).

Trajes de dança musical

As evidências de teatros musicais datam do século XVIII, quando duas formas dessa performance de música e dança surgiram na Grã-Bretanha, França e Alemanha: óperas de balada, como a de John Gay A ópera do mendigo (1728), e mais tarde em óperas cômicas, como Michael Balfe's A menina boêmia (1843). Naquela época, muitas peças tinham tiragens curtas e os figurinos costumavam ser baseados no design do dia-a-dia. No final da década de 1880, as óperas cômicas conquistaram a Broadway em Nova York, e peças, incluindo Robin Hood , foram projetados para públicos populares. Da década de 1880 até a de 1920, o gênero musical-comédia emergiu em Londres, e designers como Lady Duff-Gordon, conhecida como Lucile, elaboraram trajes da moda para cantores e dançarinos. No início da década de 1920, as técnicas de sapateado foram popularizadas e sapatos de sapateado especialmente projetados estavam disponíveis no mercado aberto.

Homens de meia-calça: o dançarino masculino

Na Rússia, os bailarinos são muito conceituados e, geralmente, o treinamento do balé clássico é a base para uma carreira na dança. Embora exista um interesse crescente pela dança entre os meninos de outros países, muitos são muito tímidos para ter aulas de dança e são obrigados a usar meia-calça, comumente considerada uma peça de roupa feminina. Portanto, certas escolas de dança permitem que jovens estudantes do sexo masculino pratiquem com camisetas e calças curtas. Sob as roupas de treino, os dançarinos geralmente usam suspensórios, projetados para isolar e apoiar os testículos. Alternativamente, um cinto de dança, roupa íntima especializada, pode ser usado por baixo das meias. Em ambos os casos, a bolsa na frente é triangular, apertada e quase plana para dar suporte e forma durante os movimentos de dança. O tema da masculinidade na dança recebeu tratamento popular em filmes como The Children of Theatre Street (1977) e Billy Elliot (2000). O livro de Ramsay Burt, The Male Dancer, explora o tema da masculinidade na dança em maior profundidade.

Sapatos de sapateado: sons famosos

As origens do sapateado, um estilo de dança teatral americana com footwork percussivo, residem nas danças escravas nos estados do sul que incorporaram o movimento e o ritmo africanos aos gabaritos e rolos europeus no início do século XIX. O sapateado foi adotado nos cinemas a partir de 1840, e o entupimento de sapatos com sola de couro se tornou cada vez mais popular. No final do desiècle, na virada do século, dois estilos diferentes de sapatos de sapateado foram estabelecidos: sapatos rígidos de sola de madeira, também chamados de buck-and-wing, popularizados pela dupla Jimmy Doyle e Harland Dixon, e macios sapatos com sola de couro popularizados por George Primrose. Na década de 1920, placas de metal (torneiras) eram fixadas em sapatos de sola de couro, que faziam um barulho alto e agudo no chão. Nas décadas de 1940 e 1950, dançarinos como Fred Astaire, Paul Draper e Gene Kelly popularizaram os sapatos de sapateado para um público mais amplo por meio dos filmes de Hollywood.

Nos anos cinquenta, musicais como Minha Bela Dama (1956) surpreendeu o público com inúmeras mudanças de figurino. O figurinista Cecil Beaton havia criado fantasias que realçavam a transformação de Eliza, a personagem principal, de uma vendedora de flores comum em uma dama da sociedade. Em 1975, Michael Bennett's Uma linha de coro estreou na Broadway, e roupas aeróbicas e de dança tornaram-se populares no palco e na vida cotidiana. Tons de neon brilhantes em rosa, verde e amarelo dominaram a gama de cores. Meias de dança, leggings, tiaras e pulseiras se espalham do palco para a moda e vice-versa. Em 1988, o musical Fama , inspirada no filme e na série de TV, estreou em Londres e refletiu a moda dos anos oitenta, exibindo collant e shorts. No início do século XXI, musical de Bollywood de A. R. Rahman Sonhos Bombay (2002) estreou em Londres, e seus trajes indianos demonstraram a influência étnica no design de palco.

Veja também Dança e Moda; Traje de balé; Música e Moda; Traje Teatral.

Bibliografia

Balasescu, Alexandre. 'Teerã Chic: lenços islâmicos, estilistas e novas geografias da modernidade.' Teoria da Moda 7 (2003): 1.

Buonaventura, Wendy e Ibrahim Farrah. Serpente do Nilo: Mulheres e Dança no Mundo Árabe. Northampton, Mass .: Interlink Publishing Group, 1994.

Burt, Ramsay. O Dançarino Masculino : Corpos, Espetáculo, Sexualidades. Londres e Nova York: Routledge, 1995.

Carter, Alexandra. O Routledge Dance Studies Reader. Londres e Nova York: Routledge, 1998.

Dodd, Craig. O mundo performático do dançarino. Londres: Breslich & Foss, 1981.

Lindisfarne-Tapper, Nancy e Bruce Ingham. Línguas do vestuário no Oriente Médio. Surrey: Curzon, 1997.

Strong, Roy, Richard Buckle e Ivor Guest. Projetando para o Dançarino. Londres: Elron Press Ltd., 1981.

Recursos da Internet

Comitê de Educação da United Square Dancers of America, Inc. Livreto do USDA B-018. Publicações do USDA, 1997. Disponível em http://www.usda.org .

Instituto de Prática de Dança Histórica (IHDP) 2004. Disponível em http://www.historicaldance.com .