TRAJE TEATRAL

A tradição do teatro ocidental tem seus fundamentos nas celebrações gregas realizadas no século VI a.C., em homenagem a Dioniso, o deus do vinho e da folia. As festas (danças, canções e respostas corais) evoluíram para um drama falado em 535 a.C., quando o dramaturgo Thespis apresentou um ator para responder ao líder do coro. O resultado foi o diálogo.

Outro dramaturgo, Ésquilo (525-456 a.C.), é responsável por estabelecer o que se tornou o traje tradicional da tragédia grega. Consistia em uma túnica estampada de mangas compridas, uma máscara estilizada para reconhecimento instantâneo de personagens e um par de sapatos de sola alta chamados corthunae. Todas essas peças eram exclusivamente para uso teatral. Não se pode representar o herói no uso diário.

Atores nas comédias gregas também usavam máscaras para indicar quais personagens eles retratavam. Além disso, eles costumavam adicionar partes do corpo exageradas, nádegas ou estômagos acolchoados e falos grandes para aumentar o efeito cômico. Túnicas curtas, muito parecidas com as usadas por cidadãos comuns, eram consideradas apropriadas para a comédia.

Embora os romanos adicionassem suas próprias reviravoltas, as convenções de trajes estabelecidas pelos gregos permaneceram essencialmente as mesmas até a queda do Império Romano, quando o teatro ocidental virtualmente desapareceu por oitocentos anos.

A Idade Média e o Renascimento

Quando o teatro ressurgiu, ele o fez, ironicamente, no contexto da igreja. A igreja cristã era a inimiga declarada do drama (percebendo-o como imodesto e semelhante à adoração do diabo). Mas, uma vez que os serviços eram realizados em latim, o que cada vez menos paroquianos podiam entender, os padres tinham que inventar uma maneira de dramatizar a liturgia.

The Commedia Dell'Arte

A Commedia dell'arte, uma forma de comédia de rua popular, surgiu na Itália durante o século XVI. Grupos de atores itinerantes apresentaram peças amplamente improvisadas em toda a Itália e Europa.

Como as comédias gregas (às quais se acredita que a comédia está ligada), os atores da comédia retrataram personagens originais identificáveis por suas máscaras e por seus trajes tradicionais. Pantalão, o arquétipo do velho trêmulo, costumava usar as calças largas que agora levam seu nome. A astuta criada Brighella tinha um casaco de listras verdes horizontais, o precursor das librés britânicas do século XIX. Outros personagens cômicos incluem Arlecchino, ou Arlequim, Il Dottore, um acadêmico pedante sempre vestido de preto, e Il Capitano, um espanhol covarde. Os personagens sérios da comédia, dois pares de namorados e uma criada, vestiam roupas contemporâneas.

As obras de William Shakespeare, Jean-Baptiste Moliere e Jean-Antoine Watteau mostram evidências da influência desta importante forma de arte popular.

Do século dezesseis ao século dezoito

Os figurinos das peças de Shakespeare eram uma mistura de vários períodos que o público aceitava como convenção padrão. A maioria das peças foi representada em trajes contemporâneos de propriedade do ator (todos eram homens) ou fornecidos pelo patrono do teatro. Ocasionalmente, um capacete ou couraça pode indicar um soldado. Fadas e ninfas podem usar cortinas clássicas.

O mesmo princípio se aplica ao traje nos séculos XVII e XVIII. A maioria dos atores e especialmente as atrizes se vestem da maneira mais elegante possível. Um turbante indicava um personagem oriental. Um capacete emplumado significava um soldado. Os artistas forneceram seu próprio guarda-roupa, com exceção de itens especiais fornecidos pelo teatro.

O século XIX e início do século XX

William Charles James Terriss como Rei Henrique VIII

William Terriss como Rei Henrique VIII. 1895

O período entre as décadas de 1770 e 1870 viu um impulso em direção à precisão histórica no design de figurinos. Como as viagens se tornaram relativamente mais fáceis, os relatórios, tanto escritos quanto visuais, aumentaram o conhecimento das pessoas sobre outras culturas. Exposições internacionais, como a Crystal Palace Exhibition em Londres em 1851, trouxeram a cultura material de lugares exóticos ao público. Eles queriam que o que viram e leram fosse refletido no palco.

No principado alemão de Saxe-Meiningen, o duque George II estabeleceu sua própria trupe teatral chamada Meiningers. O duque usou todos os recursos disponíveis para criar trajes autênticos para seus atores.

Os Meiningers percorreram amplamente o continente, e o estilo de suas produções influenciou muito bastiões do realismo do século XIX, como o Théâtre Libre em Paris e o Teatro de Arte de Moscou na Rússia. Nos Estados Unidos, as produções do empresário David Belasco refletem sua admiração por esse estilo novo e realista.

Seguiu-se uma reação inevitável. Na Rússia, para citar apenas um exemplo, os artistas construtivistas criaram trajes altamente conceituais cuja única relação com as roupas era que eram usados por seres humanos.

Eventualmente, ambos os estilos foram reconhecidos como válidos, levando à mistura de produções historicamente precisas ou baseadas em conceitos que continua no século XXI.

Prática corrente

Trajes teatrais são projetados para apoiar o roteiro. Se o realismo ou o historicismo são centrais para o texto, os trajes refletirão com precisão as roupas adequadas ao período ou ao ambiente. Os exemplos incluem Henrik Ibsen O Construtor Principal , que requer roupas do início de 1890, ou David Storey O vestiário , que exige uniformes e roupas de rua apropriados para um grupo de jogadores de rúgbi no norte da Inglaterra.

Outros scripts requerem uma abordagem mais fantasiosa. De Shakespeare A tempestade deve ser definida em uma ilha, mas essa ilha pode estar em qualquer lugar do mundo. Prospero e Miranda podem ocupar qualquer período de tempo acordado entre o diretor e a equipe de design.

Influência do traje no vestido da moda

Enquanto o traje do filme costuma influenciar as roupas da moda, o traje teatral quase nunca o faz. Um filme é visto por milhões de pessoas em todo o país na primeira semana de seu lançamento. Em contraste, o teatro da Broadway médio pode acomodar apenas oito mil pessoas no mesmo período de uma semana.

Além disso, normalmente há um intervalo de um ano ou mais entre o final das filmagens e o lançamento do filme. Nesse intervalo, revistas de moda e outros periódicos podem publicar spreads exibindo as fantasias, criando demanda do cliente. Historicamente, estúdios de cinema, fabricantes, lojas de departamentos e empresas de modelagem de costureiras firmaram parcerias para promover o filme e as roupas prontas para vestir (ou prontas para costurar) que o filme inspirou.

Um exemplo clássico é o vestido 'Letty Lynton' usado por Joan Crawford no filme de 1932 de mesmo nome. Mais de 500.000 cópias do desenho de Adrian foram vendidas em todos os níveis de preço assim que o filme estreou. Em 1967, os trajes de Theodora von Runkle para Bonnie e Clyde desencadeou a tendência para estilos de revival dos anos 1930 que eram tão populares no final dos anos 1960. Os trajes de Ruth Morley para Diane Keaton produzidos Annie Hall sósias nos Estados Unidos e na Europa no final dos anos 1970.

Outra razão pela qual pode haver pouca relação entre roupas teatrais e roupas de rua é a escala. Um traje é projetado para ser visto a uma distância de trinta ou quarenta pés. Os detalhes são exagerados para torná-los visíveis. O cinema, em contraste, é basicamente sobre closes. Os figurinos dos filmes precisam ser 'reais' de uma forma que os figurinos teatrais de sucesso não podem ser.

Existem algumas exceções, mas são raras. Um terno vermelho desenhado por Patricia Zipprodt para a produção de Neil Simon de 1969 na Broadway Suite Plaza foi posteriormente fabricado para Bergdorf Goodman. Em 2002, a Bloom-ingdale's lançou uma coleção de roupas plus size baseadas nos designs de William Ivey Long para o musical Hairspray.

O público de um evento teatral é tão pequeno em relação ao número de pessoas que assistem aos filmes que faz pouco sentido econômico usar o teatro como fonte de design. As roupas contemporâneas para o palco podem refletir uma vestimenta da moda, mas não a influencia.

Requisitos especiais

Sapatos de dança precisam de flexibilidade

Acima de tudo, um traje teatral é pensado para o movimento. As cavas são cortadas mais altas do que em roupas produzidas em massa para permitir que o ator levante os braços sem a roupa inteira seguindo. As virilhas são cortadas mais altas para permitir chutes sem quebrar a costura.

Os trajes devem ser construídos para serem fortes o suficiente para resistir a oito desgastes por semana durante meses ou mesmo anos, com limpeza ou lavagem rara. Se o roteiro pede uma 'troca rápida', o que significa que o performer faz uma troca completa de roupa em menos de um minuto, o traje será confeccionado para facilitar a troca. Para trocar de camisa rapidamente, por exemplo, os botões são costurados na parte superior das casas. A camisa é mantida fechada por botões de pressão ou fita de velcro para que possa ser literalmente arrancada do artista.

Os sapatos das dançarinas devem ter solas finas o suficiente para permitir que a dançarina flexione e aponte o pé. Quando feita sob medida, a pele de alce é o material de escolha.

Tendências e desenvolvimentos

Os trajes teatrais dependem fortemente de fibras naturais (algodão, linho, seda e lã). Os sintéticos não manuseiam nem cobrem como as fibras naturais. Dito isso, no entanto, o desenvolvimento de novos materiais teve um efeito tremendo na indústria.

Antes do final da década de 1950, por exemplo, as meias-calças de dançarino eram feitas de algodão elástico, dadas em bolsas e flechas, ou eram tricotadas com tendência a escorregar. A invenção da lycra, do spandex e de outros tecidos elásticos bidirecionais eliminou esses problemas. Crina de cavalo de náilon trançada pode ser usada para fazer babados que simulam os originais de linho engomado, mas que mantêm sua forma quando lavados.

Nenhuma empresa fabrica têxteis exclusivamente para uso em fantasias. O mercado é muito pequeno. Os clientes, no entanto, são extremamente criativos ao descobrir usos teatrais para produtos projetados para outros fins. Veri-form, uma marca para um tipo de folha termoplástica, por exemplo, é uma malha aberta de malha plástica usada por cirurgiões ortopédicos para moldes leves. Faz excelentes armaduras e máscaras, não é tóxico e é fácil de trabalhar.

A rede de plástico usada para ventilar bonés de beisebol torna as crinolinas indestrutíveis e baratas. O ar-condicionado e outros tipos de espuma podem ser cortados e esculpidos para formar a estrutura de um mascote leve ou outros trajes que sejam mais altos e largos do que o ator dentro deles. O Birdseed, envolto em um macacão, é excelente para simular o movimento de seios caídos.

O desenvolvimento mais significativo no campo nos últimos vinte anos foi, sem dúvida, uma maior conscientização sobre as questões de saúde e segurança. Ainda na década de 1970, tanto os designers quanto os costureiros tratavam rotineiramente os tecidos com tintas, solventes e colas altamente tóxicas, sem compreender os riscos envolvidos. No século vinte e um, não apenas produtos menos tóxicos estão disponíveis, mas folhas de dados de segurança de material, respiradores, cabines de spray e outros dispositivos de proteção são a norma.

Enquanto os materiais continuam a evoluir e os estilos de figurinos entram e saem da moda, o princípio permanece constante. Como Robert Edmond Jones escreveu em 1941: Um traje de palco é uma criação do teatro. A sua qualidade é puramente teatral e, tirada do teatro, perde imediatamente a sua magia. Ele morre como uma planta morre quando arrancada (p. 91).

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